Uma breve história da religião na arte - TED-Ed

Assista à aula completa: http://ed.ted.com/lessons/a-brief-history-of-religion-in-art-ted-ed

Antes de a arte ter sido colocada em museus, ela servia, em grande parte, como um reforço visual de histórias religiosas. Essas pinturas, esculturas, tapeçarias e iluminuras ainda são relevantes para nós? Jeremiah Dickey descreve a evolução da arte no olhar público e explica como o moderno observador pode enxergar a história da arte como um contínuo diálogo global.

Aula e animação de TED-Ed.

Faz poucas centenas de anos

que a civilização ocidental
vem colocando arte nos museus,

pelo menos os museus que lembram

as instituições públicas
que hoje conhecemos.

Antes disso, para a maioria,
a arte tinha outras finalidades.

O que atualmente
chamamos de belas-artes

era, na realidade, originalmente
a forma como as pessoas vivenciavam

uma dimensão estética da religião.

Pinturas, esculturas,
tapeçarias e iluminuras

eram as mídias da época

que forneciam imagens vívidas

para acompanhar
as histórias do dia a dia.

Nesse sentido, a arte ocidental

compartilhava uma finalidade utilitária

com outras culturas do mundo todo,

algumas, por sinal, cujas línguas
não têm uma palavra para arte.

Como nós definimos
o que chamamos de arte?

De modo geral,
estamos falando aqui

da obra que comunica visualmente

um significado
que transcende a linguagem,

seja pela representação

ou pelo arranjo
dos elementos visuais no espaço.

Evidência desse poder
da iconografia

ou da capacidade das imagens
de transmitir um sentido

pode ser encontrada
em abundância

se examinarmos a arte

das histórias das principais
religiões do mundo.

Quase todas,

em um momento
ou outro de suas histórias,

viveram um período em que era proibida

qualquer representação visual do divino.

Isso visa a evitar a idolatria,

ou a confusão entre
a representação da divindade

e a própria divindade.

Mantendo-a real, por assim dizer,

na relação entre o indivíduo
e a divindade.

Contudo, manter isso
pode ser um desafio,

dado que a ânsia de representar

e interpretar visualmente
o mundo ao nosso redor

é uma compulsão
difícil de refrear.

Por exemplo, mesmo hoje,

quando a representação de Alá
ou do Profeta Maomé é proibida,

uma louvação abstrata do divino

pode ser encontrada
em padrões de arabescos

em desenhos da tapeçaria islâmica,

com magistrais floreios de pinceladas

e caligrafia árabe,

em que as palavras do profeta

assumem um papel duplo
como literatura e arte visual.

Além disso,
na arte dos primórdios

do cristianismo e do budismo,

as presenças divinas
de Cristo e de Buda

não aparecem sob a forma humana

e são representadas por símbolos.

Em ambos os casos,

é usada a referência iconográfica

como uma forma de veneração.

A representação antropomórfica,

ou a reprodução em forma humana,

no final espalhou-se
nessas religiões

apenas séculos depois,

sob a influência das tradições culturais
próprias de cada uma delas.

Historicamente falando,

a apreciação pública da arte visual

fora da tradicional
função religiosa ou social

é um conceito
relativamente novo.

Hoje, por assim dizer,
nós "fetichizamos" o fetiche.

Vamos aos museus para ver
a arte de outras eras,

mas a experiência que vivemos ali

está drasticamente
fora do contexto

no qual se pretendia
que ela fosse vista.

Poderíamos afirmar
que ao observador moderno

falta a riqueza de envolvimento

que ele tem com a arte contemporânea,

que quando foi criada
era relevante para a sua época

e que fala a sua língua cultural.

Também poderíamos afirmar que
a história do que chamamos arte

é um diálogo que continua,

à medida que o presente
se transforma no que virá a ser

o passado clássico
de futuras gerações.

É um diálogo que reflete

as ideologias, mitologias,
sistemas de crenças e tabus

e tantas coisas mais
do mundo no qual ela foi criada.

Mas não quer dizer
que a obra de outras eras,

feita para cumprir uma certa função
naquela época,

esteja superada ou nada tenha
a oferecer ao espectador moderno.

Embora na organização de um museu

obras de arte de
vários lugares e épocas

sejam exibidas lado a lado,

isoladas de suas localizações originais,

a justaposição traz benefícios.

As mostras são organizadas por curadores,

ou pessoas que fizeram carreira

com sua habilidade
de recontextualizar ou remisturar

artefatos culturais
em uma apresentação coletiva.

Isso nos permite considerar a arte

dentro de um tema comum,
que poderia não ficar evidente

em uma determinada obra,

a menos que ela seja vista ao lado de outra

e que disto novos significados
possam ser derivados e refletidos.

Se adotarmos essa postura,

poderíamos enxergar qualquer obra de arte

como sendo um complemento
de um todo indefinido e unificado

da experiência humana do passado,

uma trilha que chega
até a soleira de nossa porta

e permanece ali,

aberta a qualquer um
que deseje explorá-la.