Une brève histoire de la religion dans l'art- TED-Ed

Avant que nous commencions à mettre l'art dans les musées, l'art servait principalement d'homologue aux histoires religieuses. Ces peintures, sculptures, textiles et enluminures théologiques des siècles passés sont-ils toujours pertinents pour nous? Jeremiah Dickey décrit l'évolution de l'art au regard du grand public, et explique comment l'observateur moderne peut voir l'histoire de l'art comme une conversation globale permanente.

Leçon et animation par TED-Ed.

C'est seulement au cours
des cent dernières années

que la civilisation occidentale
a mis l'art dans les musées,

du moins ceux ressemblant
aux institutions publiques

que nous connaissons aujourd'hui.

Avant, pour la plupart,
l'art servait à autre chose.

Ce que nous appelons aujourd'hui
les beaux-arts

étaient principalement
la façon dont les gens

percevaient une dimension
esthétique religieuse.

Les peintures, sculptures,
textiles et enluminures

étaient les médias de l'époque,
offrant un langage pictural vivace

pour accompagner
les histoires de l'époque.

Dans ce sens, l'art occidental

partageait un but fonctionnel

avec les autres cultures
autour du monde,

certaines dont la langue,
en passant, n'a pas de mot pour art.

Alors, comment définissons-nous
ce que nous appelons art?

Ce dont nous parlons ici

est le travail
qui communique visuellement

un sens au-delà du langage,

par la représentation

ou par l'arrangement visuel
des éléments dans l'espace.

La preuve
de ce pouvoir iconographique,

ou la capacité des images
à transmettre du sens,

peut être trouvée en abondance
si nous regardons l'art

à partir des histoires
de nos principales religions mondiales.

Presque toutes, à un moment
de leur histoire,

sont passées par
une sorte de phase aniconique.

L'aniconisme interdit
toute représentation visuelle du divin.

Ceci a pour but d'éviter l'idolâtrie,

ou la confusion entre la représentation
de la divinité et la divinité elle-même.

Afin de garder le réalisme,

pour ainsi dire, dans la relation
entre l'individu et le divin.

Pourtant, cela peut être
un défi de le soutenir,

étant donné que la volonté de
représenter visuellement

et d'interpréter
le monde autour de nous

est une compulsion
difficile à réprimer.

Par exemple, même aujourd'hui,

quand la représentation d'Allah
ou de Mahomet est interdite,

une célébration abstraite du divin

peut encore être trouvée dans les
arabesques islamiques des motifs textiles,

avec les coups de pinceaux
magistraux de leurs fioritures

et de leur calligraphie arabe,
où les mots du prophète

assument un double rôle
de littérature et d'art visuel.

De même, dans l'art
des premières périodes

du christianisme et du bouddhisme,

la présence divine du Christ et du Bouddha
n'apparaît pas sous forme humaine

mais est représentée par des symboles.

Dans chaque cas,

la référence iconographique
est employée

comme une forme de vénération.

La représentation anthropomorphique,

ou la représentation
sous forme humaine,

ne s'est généralisée dans ces religions
que des siècles plus tard,

sous l'influence
des traditions culturelles les entourant.

Historiquement parlant, l'appréciation
des arts visuels par le public,

autrement que dans leurs fonctions
traditionnelles, religieuses ou sociales,

est un concept relativement nouveau.

Aujourd'hui, nous fétichisons
le fétiche, pour ainsi dire.

Nous allons aux musées
pour voir l'art ancien,

mais notre expérience
est radicalement éloignée du contexte

dans lequel il était
destiné à être vu.

On peut dire qu'il manque
au spectateur moderne

la richesse de l'engagement

qu'il a avec l'art contemporain,

qui a été créé
pour être pertinent à son époque

et parler son langage culturel.

On peut dire aussi que
l'histoire de ce que nous appelons art

est une conversation qui continue,

tandis que
notre présent contemporain passe

dans ce qui sera
le passé classique de futures générations.

C'est une conversation qui reflète

les idéologies, mythologies,
systèmes de croyance et tabous

et beaucoup plus du monde
dans lequel il a été conçu.

Ce n'est pas pour dire que
cette œuvre d'une autre époque,

faite pour une fonction particulière
à son époque,

est morte ou n'a rien à offrir
au spectateur moderne.

Même si dans le contexte
d'un musée

les œuvres d'art
de différents endroits et époques

sont présentées
les unes à côté des autres,

isolées de leurs contextes d'origine,

leur juxtaposition a des avantages.

Les expositions sont organisées
par des conservateurs,

ou des gens construisant
une carrière

de leur capacité
à recontextualiser ou remixer

les artéfacts
dans une présentation collective.

En tant que spectateurs, nous sommes
capables d'envisager l'art

sous un thème commun qui pourrait
ne pas être apparent

dans une œuvre particulière

jusqu'à ce que
nous la voyions près d'une autre,

un nouveau sens peut apparaître
et prêter à réflexion.

Si nous le souhaitons,
nous pouvons même

commencer à voir toute œuvre d'art

comme complémentaire
d'un tout uni, indéfini

de notre expérience humaine passée

une piste qui mène droit à notre porte

et continue avec nous,

ouverte à quiconque veut l'explorer.